After In Infinity, the solo exhibition at Moderna Museet in Stockholm held last year, Yayoi Kusama celebrates her 87 years old with Infinity Mirrors, a brand new international exhibition at Hirshhorn Museum and Sculpture Park in Washington DC. Lose yourselves in Yayoi Kusama’s infinity measurable by polka dots and find again your way obliterating yourselves with no mercy. Sometimes there’s nothing more rational than madness.

Yayoi Kusama’s Melancholy

That day Michelangelo arrived in the chapel a bit late, but nobody saw him. He suddenly started finishing Bartholomew, and he realised that maybe he represented him too similar to Pietro Aretino. Painting the knife, Bartholomew’s face became a monster mask. Michelangelo didn’t know anymore what was the reality and what was not. Thus, he painted that monster representing himself like a lifeless empty skin. For the moment, he drove the monster out.

After a couple of centuries was the turn of Francisco Goya to lose himself among epileptic hallucinations. Then arrived the craziest artist ever: Vincent Van Gogh followed by the painter of possessed totem cats Louis Wain and the chronic depressed Munch. And what about Pollock’s self-destroying damned genius? A whole day wouldn’t be enough to mention all the crazy artists of the history. The relation between genius and madness is for sure the most common topic for high school final dissertation and one the the most controversial issue for psychology and aesthetics.   

Even though Michelangelo could be very far from the idea we have of Yayoi Kusama, both of them can be included in the Aristotelian concept of “melancholy makes a man genius” and in Platonic idea of “divine fury”. The idea of “crazy artist” comes from the Greek heritage -like mostly everything in the West- and it was wisely manipulated by Romantics and by avantgarde art directors: the more you are crazy, the more you sell.



Yayoi Kusama Japan

Yayoi Kusama leaves Japan to US in 1957 when she was 27.  Yayoi has always had mental problems since she had her first vision when she was 10. She decides to move to US inspired by Georgia O’Keeffe’s second-hand book, found in a shop in Mastumoto, her hometown in Japan. When she arrives in New York, watching the forest of skyscrapers from the Empire State Building, she promises herself that it will be the city where she will make it.

Is this the American dream, isn’t it? How many other people faced the ocean to find the freedom under the American flag? But Yayoi was braver, so brave to be mad. Yayoi was a woman who wanted to be an artist in a deeply sexist and conservative country. A country featured by a strong antagonism with the West since, among other things, probably Japan could have won the war if Americans hadn’t dropped the atomic bombs. Yayoi, in fact, will make it in New York, but she will never be American. She will come back in Tokyo at the beginning of  ‘70s moving into a mental clinic, where she still lives, close to her studio.  

Yayoi Kusama

Yayoi has no money, nobody knows her and New York is a jungle. She paints the same thing over and over again, with no breaks, covering whatever she can around her. She paints even herself. While she paints, she forgets to eat, to drink and the fact that windows are broken in her studio even though outside is winter. With a workaholism and a resistance that only a Japanese can have she keeps on repeating the same gesture endlessly. It is this chronic obsession that bring Infinity Nets series to life. Her first solo exhibition Obsessional Monochrome was held in New York in 1959 marking the beginning of a timeless success and the first of Yayoi’s artistic experimentation towards the exploration of infinity.

Obliteration as a therapy

What came first, the chicken or the egg? Is art the cause or the consequence of Yayoi’s neurosis? Her hallucinations and her mental ill cannot be unbinded from her artistic identity and production. Since she was a child the artist perceives the artistic process as a therapy to exorcise her visions and manage her madness.

Yayoi paints what she’s scared about digging in the bottom of her soul with no censorship. Through the compulsive repetition of a specific element, first of all the polka dot, Yayoi Kusama activates a therapeutic process namely Obliteration. Thanks to the obliteration she creates an infinitive space where she can lose herself taking part of the universe and she can find again the right way through an orderly and maniacal reiteration of the same subject.  

“As I repeated this process over and over again, the nets began to expand to infinity. I forgot about myself as they enveloped me, clinging to my arms and legs and clothes and filling the room.”


The polka dot is Yayoi’s weapon to deal with the infinity, reaching its further boundaries. The moon, the sun and the earth are all polka dots. Polka dots, as tiny particles on the universe, connect each other creating a big net. In the documentary Self Obliteration, Yayoi tries to tell this therapeutical process similar to a cathartic abstraction by obliterating herself and the world around her.

Obliteration becomes first a ritual, then an avantgarde and finally a trend. Everyone in the artistic scene of New York wants to be obliterated. Thus, Yayoi goes out from her studio starting to paint on the street making the body her new canva. Walking naked a covered by white polka dots, she becomes a symbol of political protest and a pioneer of a new generation of artists who will lead to pop art wave. The installation Obliteration Room appeared for the first time at Tate in London in 2012 allows visitors to experience personally the obliteration process in order to recall that atmosphere created by Yayoi in New York during the ‘60s.

Yayoi Kusama


With the same process Yayoi Kusama paints compulsively her nightmares choosing her deepest fears as subjects of her works. The production of phallic sculptures recalls Yayoi sex-phobia and her perception of sex as something dirty. In the same way, objects covered by macaroni show her repulsion for food. Only reproducing the subject of her phobia again and again through obliteration, Yayoi is able to overtake the fear.

From obliteration amazing minimalist artworks came to like. Minimalism as a therapeutical process is not new to Japanese culture and we can find it in different artistic expression such as Japanese design and architecture.

Infinity inside a Room

Polka Dots are for Yayoi Kusama the unit to measure the infinity. Through obliteration, the universe has a beginning and an end. Paradoxically, Yayoi uses the Enlightenment approach of discovering and understanding the reality through the measurement of the reality itself. In this way, she found a way to enclose infinity in only one room.

Thanks to the combination between mirrors and the reiteration of a singular element, Yayoi challenges the concept of space and time. Going inside one of her  Infinity Rooms  it’s like travelling in a colorful and futuristic elsewhere. It is a room with four walls but with no beginning neither end at the same time. It is the perfect place to lose and find again ourselves.

Yayoi’s infinity it’s not so scary. In Asia the idea of infinity is not so abstract as in the West. Traditionally, we use a linear thinking process which assumes a beginning and an end. On the contrary, in Asia people have a circular thinking process which means that the beginning and the end are only two points in a circle. Thus, infinity is not something beyond the end, but the place where we actually exist. For this reason,  the exploration of the infinity is at the same time the exploration of the soul like in My Eternal Soul series.

“My desire was to predict and measure the infinity of the unbounded universe, from my own position in it, with dots”

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Is there something more fascinating than lose yourselves in infinity? This is Yayoi’s power. She is able to bring us in another measurable metaphysical dimension where rational meets irrational. There you can abandoned yourselves with no fears because you can find your way following polka dots.

Many stylists decided to explore Yayoi’s infinity too with colorful texture and special editions. Louis Vuitton realized a capsule collections entirely dedicated to Yayoi Kusama transforming models in contemporary Alice in Wonderland. Even Adele wanted to feel like Alice and last year held an exhibition at The Broad in LA and at the Brits Awards singing ‘When We Were Young’ inside Yayoi’s room The Souls of Millions of Light Years Away.

If you want to get in the queue to experience Yayoi Kusama’s infinity, you can visit until May 14th  Infinity Mirrors in Washington DC or at Permanente in Milan until July 23rd you can enter into the mirror room All the Eternal Love I have for the Pumpkins, masterpiece of the exhibition Love. Last year during an out-of-town trip in Stockholm, Polpettas visited In Infinity at Moderna Museet hanging around polka dot after polka dot. 



Dopo la mostra personale In Infinity al  Moderna Museet di Stoccolma dello scorso anno, Yayoi Kusama festeggia i suoi 87 anni con Infinity Mirrors, la nuova mostra internazionale all’Hirshhorn Museum and Sculpture Park di Washington. Perdetevi nell’infinito misurabile di polka dot di Yayoi Kusama e recuperate le coordinate obliterandovi senza pietà. A volte non c’è più nulla di razionale della follia.

La Melanconia di Yayoi Kusama

Quel pomeriggio Michelangelo era arrivato nella cappella leggermente in ritardo, ma non l’aveva visto nessuno. Aveva subito iniziato a rifinire San Bartolomeo, in effetti forse aveva esagerato dipingendolo molto, forse troppo, simile a Pietro Aretino. Nel ritoccare il coltello, quello stesso volto iniziò a contorcersi in una maschera mostruosa. Michelangelo non sapeva più da tempo cosa fosse la realtà e cosa no. Allora dipinse quel mostro ritraendo se stesso come una pelle senza vita. Così aveva, per il momento, esorcizzato il mostro.

Qualche secolo dopo toccava a Francisco Goya perdersi tra allucinazioni epilettiche, poi all’ artista pazzo per eccellenza Vincent Van Gogh, al pittore di gatti totem allucinati Louis Wain, ad un depresso cronico Munch fino al genio maledetto e autodistruttivo di Pollock. Vogliamo continuare? Non basterebbe una giornata. Il rapporto tra genio e follia è l’argomento più gettonato per le tesine finali del liceo e il tema più controverso di sempre della psicologia e della filosofia estetica.  

Se Michelangelo è forse ciò che è più lontano da Yayoi Kusama, entrambi rientrano nella retorica aristotelica “la melanconia fa l’uomo genio” e in quella platonica di “furore divino”. Dalla culla greca, come d’altra parte la maggior parte di ciò che costruisce la nostra identità, si instaura la figura dell’artista fuori di testa, sapientemente manipolata dai romantici e dai direttori artistici avanguardisti: più sei pazzo più vendi.

Yayoi Kusama lascia il Giappone a 27 anni nel 1957 per gli Stati Uniti. Yayoi ha sempre avuto problemi mentali fin dai 10 anni quando ebbe la sua prima visione. Decide di andare negli Stati Uniti, ispirata da un libro di seconda mano sull’artista americana Georgia O’Keeffe trovato in un negozio di Matsumoto, la sua cittadina natale. Quando si trasferisce a New York guarda la foresta di grattacieli dall’ Empire State Building e si promette che riuscirà a fare sua quella città.

Non è questo il sogno Americano? Non sono iniziate così milioni di storie di persone che hanno sfidato l’oceano per stringersi sotto la bandiera della libertà? Si. Ma Yayoi è stata più coraggiosa, un coraggio che sfiora la follia. Yayoi era una donna che voleva fare l’artista in un paese fortemente maschilista e conservatore con uno spiccato antagonismo verso l’occidente poiché, tra le altre cose, forse non avrebbe perso la guerra, se non fosse stato per quelle due bombe atomiche lanciate dagli Stati Uniti. Yayoi, infatti farà sua New York, ma non sarà mai e non vorrà mai essere americana. Tornerà a Tokyo all’inizio degli anni ‘70 trasferendosi in una clinica specializzata in malattie mentali dove vive tutt’ora, a pochi passi dal suo studio.

Yayoi non ha soldi, non è famosa e New York è una jungla. Dipinge compulsivamente la stessa cosa senza sosta in qualsiasi superficie disponibile intorno a lei. Dipinge anche se stessa. Nel dipingere si scorda di mangiare, di bere e delle finestre rotte del suo studio anche se fuori è inverno. Con uno stacanovismo e una resistenza che solo un giapponese può avere, ripete in modo maniacale lo stesso gesto all’infinito che insieme alla sua nevrosi cronica dà vita alla serie di Infinity Nets. La sua prima mostra Obsessional Monochrome a New York nel 1959 segna l’inizio del suo successo e di una sperimentazione artistica volta all’esplorazione dell’infinito.

Obliterazione come terapia

E’ nato prima l’uovo o la gallina? L’arte è la causa o la conseguenza della nevrosi di Yayoi? Le sue allucinazioni e la sua malattia mentale non possono essere slegati dall’identità e dalla produzione dell’artista. Fin da piccola Yayoi percepisce e usa l’arte come una terapia per esorcizzare le proprie visioni e gestire la sua pazzia.

Yayoi dipinge ciò di cui ha paura scavando nel profondo del suo essere senza nessuna censura. Attraverso la ripetizione compulsiva di un elemento specifico, primo fra tutti il polka dot, Yayoi dà vita ad un processo terapeutico che essa stessa definisce obliterazione. Attraverso l’obliterazione Yayoi Kusama crea uno spazio infinito dove perdersi per poi ritrovarsi attraverso la reiterazione ordinata e maniacale dello stesso soggetto.

Il polka dot è l’arma con cui Yayoi affronta l’infinito esplorandolo fino ai suoi più lontani confini. La luna, il sole, la terra sono tutti dei polka dot che rappresentano una minuscola parte dell’universo connettendosi tra loro uno dopo l’altro senza sosta creando una rete. Con il documentario Self Obliteration, Yayoi Kusama cerca di raccontare questo processo terapeutico di astrazione catartica attraverso l’obliterazione di se stessa e dello spazio circostante.

L’obliterazione diventa un rito, si trasforma in avanguardia e poi in moda. Tutti i personaggi della scena artistica newyorkese vogliono essere obliterati. Yayoi esce quindi dal suo studio per esibirsi in strada e fa del corpo la sua nuova tela. Camminando nuda per le strade completamente ricoperta di polka dot, Yayoi Kusama diventa il simbolo della protesta politica e della nuova generazione di artisti preparando la strada per l’onda della pop art. L’installazione  Obliteration Room, apparsa per la prima volta alla Tate di Londra nel 2012, permette ai visitatori della mostra di Yayoi di provare in prima persona il processo di obliterazione, cercando di ricreare quell’atmosfera e quell’esperienza che aveva invaso New York negli anni ‘60.

Allo stesso modo Yayoi Kusama rappresenta in modo compulsivo ciò che la spaventa nel profondo facendo delle sue paure il soggetto principale dei suoi lavori. La sua produzione di sculture falliche raccontano la sua fobia per il sesso, percepito come qualcosa di sporco. Così come gli oggetti ricoperti di maccheroni raccontano la sua fobia per il cibo. Solo riproducendo senza sosta il soggetto della sua fobia attraverso l’obliterazione, Yayoi riesce a superare la paura.

Dal processo di obliterazione nascono opere d’arte minimaliste basate sulla reiterazione di un singolo elemento. Il minimalismo come rappresentazione e processo terapeutico non è nuovo alla cultura giapponese e lo ritroviamo prepotentemente non solo nella pittura, ma anche nel design e nell’architettura giapponese.

L’infinito in una stanza

I polka dot sono per Yayoi l’unità di misura dell’infinito. Attraverso l’obliterazione, l’universo ha una fine e un inizio. Paradossalmente, con questo approccio illuminista di conoscere e comprendere le cose attraverso la sua misurazione, Yayoi è riuscita a racchiudere l’infinito in una stanza.  

Attraverso la combinazione di giochi di specchi e la ripetizione maniacale dello stesso elemento, Yayoi Kusama sfida le leggi dello spazio e del tempo. Entrando in una delle sue Infinity Rooms sembra di viaggiare in un altrove fantascientifico e coloratissimo. Una stanza con quattro mura, ma senza fine o inizio, il luogo perfetto dove potersi perdere per poi ritrovarsi.

L’infinito a Yayoi non fa poi così paura. In Asia la concezione dell’infinito non è così astratta come lo è in occidente. Tradizionalmente il nostro modo di pensare è lineare e presuppone un inizio e una fine. Ci hanno insegnato ad avere una visione finalistica della storia perché è quello che ci raccontano le religioni monoteiste. In Asia il pensiero non è lineare, ma circolare. I concetti di inizio e di fine sono solo due punti arbitrari di un cerchio che si ripete senza sosta. L’infinito non è qualcosa oltre la fine, ma è il luogo dove esistiamo. L’esplorazione dell’infinito è quindi anche l’esplorazione della propria anima, che non può non essere eterna: nasce così la serie di opere My Eternal Soul.

Cosa può esserci di più affascinante che perdersi nell’infinito? La forza di Yayoi Kusama è proprio questa. Riesce a trasportarci in una dimensione metafisica, ma allo stesso tempo misurabile dove razionale e irrazionale si incontrano. Possiamo perderci nell’infinito senza avere paura perché sappiamo come ritrovare la strada di casa, basta seguire i polka dot.

Molti stilisti hanno deciso di perdersi in questo infinito fatto di texture colorate e di edizioni speciali. Primo fra tutti Louis Vuitton con la sua linea interamente dedicata a Yayoi Kusama ha trasformato le sue modelle in ribelli Alici nel paese delle meraviglie. Anche Adele, ha voluto sentirsi come Alice e lo scorso anno si è esibita al The Broad di Los Angeles ed ai Brits Awards cantando ‘When We Were Youngall’interno di The Souls of Millions of Light Years Away.

Se avete voglia di mettervi in fila e perdervi anche voi nell’infinito di Yayoi Kusama, potete visitare fino al 14 maggio Infinity Mirrors a Washington e alla Permanente di Milano fino al 23 luglio trovate All the Eternal Love I have for the Pumpkins, pezzo forte della mostra Love. Attenzione alla guida sui selfie, di solito qualcuno calpesta sempre qualche opera per sbaglio nello scattarsi una foto.  Lo scorso anno durante una gita fuori porta a Stoccolma, anche Polpettas ha visitato la mostra In Infinity al Moderna Museet tra un polka dot e l’altro.